電影，是一種藝術、娛樂；是一種產業、文化；是一種信仰、一種生活方式。電影是什麼？想必在許多人心中都已經有了答案，或許每個人認為的電影都有所不同，但每個人所認為的都代表著電影。今天我將藉由《認識電影》這本書，帶您一同探索電影的世界。不過在我們開始談論電影之前，先讓我好好地介紹這本書。
不論你是電影迷、影視科系學生、從業人員，或者只是想深入了解電影的一般民眾，這本書絕對是您的第一首選。它長期作為各大影視院校的教學用書，在影界的地位也是無庸置疑的，並且作者有持續更新內容，以呼應現在的電影發展及淘汰過時的觀念，目前最新版為第十版（2005.06.10中譯出版)，雖然是16年前的著作了，但其內在的觀念與技術，卻還是在當代所運作著。因此要了解電影，以這本《認識電影》作為一個出發點，我認為是再適合不過了！
概論
- 三種電影風格：寫實主義、古典主義、形式主義
- 三種電影類型：紀錄片、劇情片、前衛電影
- 形式界定內容，內容影響形式，而兩者相輔相成
- 內容＝題材＋分場
寫實主義和形式主義Realistic & Formalistic
在電影發展初期，1890年代中葉，就已經出現了兩大方向。
盧米埃兄弟，寫實主義的建立者，以短片記錄生活日常，如《火車進站》。
喬治．梅里葉，形式主義的始祖，強調想像的奇幻影片，如《月球之旅》。
「寫實主義」與「形式主義」只作為概括，並非絕對，是方便我們分類風格傾向這兩者的電影，而很少有電影是絕對的形式主義或寫實主義。大部分劇情片都居於這兩者之間，一般稱之為古典電影（classical cinema）。
「寫實」與「現實」是不同的概念，寫實是一種風格，而現實是所有電影（不論寫實或形式）的原始素材。導演的工作就是在現實中尋找素材，經過設計與經營，形成屬於他們的風格。
| 寫實主義 | 形式主義 |
| 客觀反映現實，傾向紀錄片。 | 主觀影響現實，傾向前衛電影。 |
| 內容＞形式 | 形式＞內容 |
| 最高原則：簡單、自然、直接。 | 在乎技巧與形式的表現。 |
| 重紀錄，而非評論。 | 評論事物，並強調本質意義。 |
鏡頭Shots
電影鏡頭（shots）的差異通常是視景框（frame）內能容納多少素材而定。依照取景距離，大致可分為六類：
1. 大遠景（Extreme long shot, ELS）
《魔戒三部曲：王者再臨》(The Lord of the Rings: The Return of the King，紐西蘭，2003)
多半是外景，可以顯現場景所在，提供空間的參考架構。如果人物出現在大遠景中，他們的身形多半只有斑點大小。這種鏡頭在史詩（epic）電影中最為常見，如西部片、戰爭片和歷史片等。
2. 遠景（Long shot, LS）
《復仇者聯盟：終局之戰》(Avengers: Endgame，美國，2019)
大致與觀眾離舞台劇的距離相當。其最遠可容納的空間與大戲院的舞台差不多。遠景打光一般而言很貴又花時間人力，尤其是採用深焦攝影時。
3. 全景（Full shot, FS）
《金甲部隊》(Full Metal Jacket，美國，1987)
人物頭部接近景框頂部，腳部接近景框底部，或超過三人以上鏡頭。是包含角色從頭到腳的樣貌，因此可觀察角色的肢體語言、造型和與其他角色的互動，也可以彌補遠景鏡頭在畫面上細節的不足。
4. 中景（Medium shot, MS）
《成名在望》(Almost Famous，美國，2000)
人物膝或腰上的身形，可作為說明性鏡頭、延續運動或對話鏡頭。其永遠適合拍兩人浪漫或不浪漫的戲。一般來說，兩人的中景焦點一分為二，其構圖強調的是對等、兩個人同看親密的空間。在浪漫喜劇、愛情故事和「哥兒們電影」類型中是主流。
5. 近景、特寫（Close-up, CU）
《鬼店》(The Shining，美國，1980)
重點聚焦在很小的客體上，如人的臉部等，暗示其有象徵意義。是一種強而有力的表現手法，不僅可細膩地表現人物的情緒或吸引觀眾注意小地方等等，提供劇情上的線索，也可以加強電影節奏。
6. 大特寫（Extreme close-up, ECU）
《驚魂記》(Psycho，美國，1960)
特寫鏡頭的變奏，更進一步聚焦在單一客體上，如眼睛、嘴巴等。能將一件微小的物體或人物的某部分誇張放大，有效產生戲劇衝擊力及強調戲劇重點。
其餘鏡頭（由於種類眾多，以下只列舉一些）：
1. 建立鏡頭（Establishing shots, ES）
《樂來越愛你》(La La Land，美國，2016)
又稱為定場鏡頭，即影片一開始，或一場戲的開頭，用來明確交待地點的鏡頭，通常是大遠景或遠景。也會運用長鏡頭同時表現劇中人在場景中的一舉一動，目的在確立場景中所有人物與空間的關係，讓觀眾能對接下來的鏡頭有個背景的了解。
2. 深焦鏡頭（Deep-focus shot）
《大國民》(Citizen Kane，美國，1941)
遠景的變奏，具多種不同的焦距，以及相當程度的景深。需要廣角鏡，所以也被稱為廣角鏡頭（wide-angle shot）。最前景及背景最深遠的部分，都能夠清晰呈現。也經常和長鏡頭結合，以利導演維持美學上的時空完整性及角色的多重關係。
3. 過肩鏡頭（Over-the-shoulder shot, OTS）
《黑暗騎士》(The Dark Knight，美國，2008)
中景的延伸，通常是兩個人物，一個背對，另一個面對攝影機，常用於對話、交流或注視對方的情節中。需特別注意180度法則。
4. 觀點鏡頭（Point of view shot, POV）
《惡棍特工》(Inglourious Basterds，德美，2009)
即是「故事是透過誰的眼睛看事件」，觀點可分為第一人稱、第三人稱、客觀觀點和全知觀點。
角度Angle
通常代表某種對題材的看法。同樣的內容，但在不同的角度，觀眾得到的訊息也會有所不同。因此形式＝內容。
寫實主義會避免極端的角度，保持水平的視角，並接近旁觀者的身高。
形式主義捕捉被攝物的精隨，認為扭曲現實的表面更加真實。
一般而言，電影有五種基本鏡頭角度：
1. 鳥瞰角度（Bird’s eye view）
《追殺比爾》（Kill Bill，美國，2003）
又稱上帝視角（God’s point of view），彷彿人物的行動皆受制於上天（觀眾）。
2. 俯角（High angle）
《哈利波特：鳳凰會的密令》（Harry Potter and the Order of the Phoenix，英國，2007）
通常架在升降攝影架（crane）上。其動作感較為緩慢，適合沉緩、呆滯的意義。此鏡頭會減少被攝物的重要性，使人物顯得無害或卑微。
3. 水平角度（Eye-level）
《飢餓遊戲》（The Hunger Games，美國，2012）
缺乏戲劇性，作敘事交代。是中性的、不帶感情，讓觀眾自己判斷。
4. 仰角（Low angle）
《駭客任務》（The Matrix，美國，1999）
增加被攝物的高度，也增加動作的速度感。提升主體的重要性，正派有莊嚴、偉大的感覺；反派有恐怖、威脅的意味。
5. 傾斜角度（Oblique/Dutch angle）
《未來總動員》（12 Monkeys，美國，1995）
大多是斜的，使人物看來快跌倒的感覺，有時作觀點鏡頭使用。給人緊張、焦躁及動作轉換的效果。
其餘角度：
1. 臀高視角（Hip level）
《黃昏三鏢客》（The Good, the bad and the ugly，義大利，1966）
常見於「牛仔鏡頭」，因為手槍套的位置就在臀部。
2. 膝高視角（Knee level）
《小鬼當家》（Home Alone，美國，1990）
經常搭配低角度，適合用於跟拍角色。
3. 地高視角（Ground level）
《鬼店》（The Shining，美國，1980）
架於地面高度或比地面還低，如《鬼店》跟拍三輪車，就是地高視角相當經典的一幕。
光與影Light & Shadow
攝影師（cinematographer），亦稱攝影指導（director of photography, D.P.）。負責燈光的安排和控制，並確保攝影品質。燈光能準確地表達意義，引導觀眾目光，而拍片所花費的大部分時間都耗在調整每一顆鏡頭的燈光上。不同的色彩、形狀、質感，都會反射或吸收不等量的燈光，若是深焦攝影，考慮得更複雜。彩色電影中，燈光的明暗變化較不顯著，因為色彩會使陰影層次模糊，使影像平板化。
燈光的風格取決於主題、氣氛和類型：
- 喜劇、歌舞片：較趨明亮，陰影較少佈局，常用高調的風格。
- 悲劇、通俗劇：較常用高反差，高光明亮、暗處有戲劇性。
- 懸疑片、驚悚片、黑幫電影：較趨低調風格，陰影採投射式，高光帶有氣氛。
一般而言，棚內的燈光較具風格及戲劇性，而外景多採自然光源，較有自然風格。
藝術家常用黑暗象徵威脅、邪惡、未知之物；明亮象徵安全、美德、真理和歡愉。而希區考克常喜以反向操作，在暗處沒事發生，在亮處迎來危險。
寫實主義傾向用自然光源，使影像有紀錄片的感覺，光質較粗糙不圓潤。
形式主義傾向象徵性的暗示燈光，以扭曲自然光的方式強調燈光的象徵。
以下為電影中常見的燈光象徵：
1. 正面光（Front light）
《心靈角落》（Magnolia，美國，1999）
水平角度直射人物，五官陰影不明顯，平板無個性。
2. 頂光（Top light）
《教父》（The Godfather，美國，1972）
由上而下罩於人物，頭頂、鼻子、額頭為亮點，眼睛、臉頰等部位顯暗，具有神秘感。
3. 底光（Bottom light）
《走出過去》（Out of the Past，美國，1947）
臉部五官清楚，但頭頂陰沉，顯得猙獰，具有恐怖的效果。
4. 45度角光（Rembrandt lighting）
《私法爭鋒》（Prisoners，美國，2013）
照亮臉部的同時，更多的陰影能呈現出來，形成兩邊臉的輕微反差，背光面的臉頰會出現倒三角的亮區，稱為倫勃朗式照明（即三角光、林布蘭光）。
5. 側光（Side light）
《霸王別姬》（Farewell My Concubine，中國，1993）
一面臉亮、一面臉暗的強烈反差，立體感強、結構明顯、紋理強烈，具衝擊性，常表現於「硬漢」。
6. 邊緣光（Edge light）
《諾斯福克》（Northfork，美國，2003）
於人物背後45度角打光，一邊臉的小部分有光，其餘則維持陰暗，感覺更加神秘。
7. 背光（Back light）
《神鬼玩家》（The Aviator，美國，2004）
置於人物背後，邊緣處出現光源，使影像柔和幽雅，常用於浪漫場面的光暈效果。
色彩Color
在心理方面，色彩是電影中的下意識元素。人們喜歡解釋構圖線條，卻消極地接受了顏色，容許它象徵心境。
線條常與名詞相聯，色彩則與形容詞相聯。線條是陽剛的，色彩是陰柔的，色彩和線條都暗示了意義，但方式不同。
色彩的象徵意義
- 冷色（藍、綠、淺紫）代表平靜、疏遠、安寧，在影像上較不凸顯
- 暖色（紅、黃、橙）代表侵略、暴力、刺激，在影像上十分張揚
彩色片中的黑白片段常用來作象徵意義。而如此插入黑白段落的方式有時過於做作及明顯，較好的方式是盡量少用顏色，使黑、白色凸顯。
對於色彩在電影中常見的構圖，我引用Sophia Wang的《電影色彩學：這些經典電影如何運用「色彩」引導觀眾情緒》來進行介紹，此文章講解得條理分明，歡迎讀者們前去瀏覽。
1. 單色構圖
《天外奇蹟》（Up，美國，2009）
用單一顏色來強調獨特的氛圍。例如動畫《天外奇蹟》當中，主角面臨情緒上的低潮時，畫面使用血紅一般的天空，呈現出低落與絕望的氛圍。
2. 相近色構圖
《歡迎來到布達佩斯大飯店》（The Grand Budapest Hotel，美國，2014）
使用色相環中相鄰的 2~3 個顏色，這種配色法在視覺上會較協調舒適。例如《歡迎來到布達佩斯大飯店》的情緒都較平和，就連監獄的橋段都很粉嫩，帶點烏托邦的喜劇感。
3. 三原色構圖
《狂人皮埃洛》（Pierrot le Fou，法國，1965）
取用色相環中間隔相同的三原色，彼此間的對比度高，不符合現實生活中常見的視覺，能用來營造超現實或是誇張的場景。像《狂人皮埃洛》中經典的一幕：主角身穿紅色的襯衫、將臉塗成藍色、手握黃色炸藥，是 1960 年代非常前衛、超現實的創作手法。
4. 互補色構圖
《007：空降危機》（007: Skyfall，英美，2012）
使用色相環上對比的 2 種顏色（也就是相鄰 180 度的顏色）。這種色彩運用非常受歡迎，尤其是橘色與綠色的組合，常被運用在動作片或劇情片中。因為這類型電影中有大量的動態與物件，對比色的應用可以讓導演更容易的在畫面中製造視覺焦點與質感。《007：空降危機》的這個鏡頭就使用橘黃色使觀眾忽略周遭的燈光，引導觀眾視線。
5. 補色分割構圖
《魔幻旅程》（The Fall，印美，2006）
這種構圖與互補色很類似，但加上其中一個顏色的相近色，例如在紅色與綠色當中，加入綠色的相近色：藍色。這種色彩運用可以呈現出互補色的對比，但較沒有那麼緊繃，常用來呈現歡樂與活力的氛圍，或是充滿想像力的場景。例如電影《魔幻旅程》描述一個小女孩的幻想世界，因此使用補色分割，並出現色彩誇張的物件，雖然沒有劇情上特殊的意義，但能營造出電影的魔幻氛圍。
鏡片、濾鏡和底片Lens, Filters and Film
電影中某些驚人的扭曲效果可以藉由拍攝過程來製造，尤其在形狀大小及遠近上。濾鏡可以用來修改形狀、色彩和光影。
寫實主義喜歡用標準的鏡頭，避免造成扭曲。
形式主義喜歡用濾鏡，企圖改變表面的真實。
鏡頭的種類很多，大致可分為三種：
1. 標準鏡頭（Normal lens）
焦距大約在45-55mm之間，而最常見的規格為50mm。是最符合人眼所看見的畫面，自然真實，但效果平淡，不帶有意識地呈現給觀眾。
2. 廣角鏡頭（Wide-angle lens）
又稱短焦距鏡頭（Short lenses），作深焦攝影之用。此鏡頭會造成線條與空間的扭曲，角度越廣，線條形狀就扭曲地越嚴重。距離會被誇大，延展畫面空間。「魚眼鏡頭」（Fish-eye lens）是廣角鏡頭中的最極端者，宛如透過水晶球去看世界。
3. 望遠鏡頭（Telephoto lens）
用來拍遠距離的特寫效果，具有較長的焦距，又稱為「長（遠）鏡頭」（long lens）。焦距越長，對距離就越敏感。在拍攝時可以調整，以引導觀眾的視線，稱為變焦（Rack focusing）或選擇性焦點（Selective focusing）。此鏡頭會使影像「平板」，壓縮畫面空間，減少距離感。
鏡頭和濾鏡也可用來做單純的形體改變效果—使角色看來更高、更瘦、更年輕或更老。
濾鏡的種類甚至比鏡頭更多，有些能捕捉、反射光芒，造成鑽石般的光型（十字鏡）。
有些濾鏡能壓縮或擴張某種色彩，對外景特別有用。舉勞勃．阿特曼（Robert Altman）的《麥凱比與米勒夫人》（McCabe and Mrs. Miller，美國，1971）為例：
- 外景用藍、綠濾鏡，製造冬日颯冷之氣
- 內景用黃、橙濾鏡，製造貧瘠地區木屋內的溫暖氣息
電影膠片的種類也多，大部分分成兩大類：
- 感光快：對光線敏感，現場無燈光，即使在夜間，僅靠有限光源亦能感光。由於它感光快，其影像粒子較為粗大，線條較為模糊，色彩宛如被水洗過。常用於傳統的紀錄片上。
- 感光慢：對光不敏感，有時需用感光快膠片十倍的燈量才能使影像顯現，但它能夠顯現出清晰且明確的細節，線條明朗，色調質感強，也能捕捉其真實的色調。
特殊效果SFX, VFX and CGI
1990年代科技發展進步，特效為電影帶來革命性的改變。雖然它並不便宜，但省去了許多艱難的戲份面臨重拍的命運，甚至對演員也是相對安全的。
《美國隊長》（Captain America，美國，2011）
寫實電影也受惠於特效，如《阿甘正傳》中一小撮臨演被擴增為數千人。
《阿甘正傳》（Forrest Gump，美國，1994）
傳統動畫耗時的手工繪圖，也被電腦的數位影像取代，細節較少、立體感較多、更制式化，如《史瑞克》、《玩具總動員》和《冰原歷險記》等。
表演也受科技影響，演員常要在藍/綠幕前單獨表演。
《怪獸與牠們的產地》（Fantastic Beasts and Where to Find Them，英國，2016）
喜歡特效的電影藝術家必須和任何風格、類型或運用某種科技的藝術家一樣有才華，要看他們運用科技創造出什麼藝術才算數，而非只看科技本身。
電影攝影師Cinematographer, DP
在大片廠時代，大部分攝影師相信電影的美學元素應該無限放大—景美人美是其目標。而如今這種看法被視為僵硬刻板，許多攝影師皆表達了自己對攝影的看法：
- 維摩斯．齊格蒙在拍《激流四勇士》時，堅持不將森林美化，捕捉「魔爪獠牙的大自然」。
- 拉斯洛．科伐克斯：「構圖絕不可以為美而美。」內容往往決定形式，形式應當體現內容。
- 師戈登．威利斯：「有時你看不到的會比看得到的更有效。」他以低調性打光風格聞名。
- 西尼．路梅：「鏡頭種類會說故事。」
- 路易斯．布紐爾不喜歡形式美—除非用來嘲諷。
- 羅里．托士若只是架好機器，讓卓別林盡情表演。
我們可以從這些攝影師的經驗得出，攝影的目的絕不是只為了畫面好看、構圖優美，而是必須搭配著主題與內容，呈現出最適合的故事的情境，才能讓觀眾在不知不覺的情況下，進到電影的世界裡，這才是攝影的主旨。
以上就是《認識電影》第一章的內容啦！當然我還有加一些其他資料以及自己的看法，作為補充及加強。本篇文章作為一份整理及轉述的內容，各位讀者們所獲取的資訊，屬於二手的資料。如果您對電影想要進行更深入的探究的話，也鼓勵直接去閱讀《認識電影》這本書喔！想必會有許多意外的收穫。
最後，如果喜歡我的文章，歡迎在底下留言。上述內容有誤，也務必留言讓我知道，一定會盡速地檢查與修改。下一篇將會為您介紹「場面調度」，還請各位客官們敬請期待囉！
（ 謝謝您願意花時間閱覽完我的文章！)
資料來源：我自己+書籍內容+網路資料。
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